“Less is not necessarily more” [cit.]

Barely impossible for us to unquote great Milton Glaser’s thougts about design thinking. Read, learn & Njoy!

    This is a curious rule and it took me a long time to learn because in fact at the beginning of my practice I felt the opposite. Professionalism required that you didn’t particularly like the people that you worked for or at least maintained an arms length relationship to them, which meant that I never had lunch with a client or saw them socially. Then some years ago I realised that the opposite was true. I discovered that all the work I had done that was meaningful and significant came out of an affectionate relationship with a client. And I am not talking about professionalism; I am talking about affection. I am talking about a client and you sharing some common ground. That in fact your view of life is someway congruent with the client, otherwise it is a bitter and hopeless struggle.
    One night I was sitting in my car outside Columbia University where my wife Shirley was studying Anthropology. While I was waiting I was listening to the radio and heard an interviewer ask ‘Now that you have reached 75 have you any advice for our audience about how to prepare for your old age?’ An irritated voice said ‘Why is everyone asking me about old age these days?’ I recognised the voice as John Cage. I am sure that many of you know who he was – the composer and philosopher who influenced people like Jasper Johns and Merce Cunningham as well as the music world in general. I knew him slightly and admired his contribution to our times. ‘You know, I do know how to prepare for old age’ he said. ‘Never have a job, because if you have a job someday someone will take it away from you and then you will be unprepared for your old age. For me, it has always been the same every since the age of 12. I wake up in the morning and I try to figure out how am I going to put bread on the table today? It is the same at 75, I wake up every morning and I think how am I going to put bread on the table today? I am exceedingly well prepared for my old age’ he said.
    This is a subtext of number one. There was in the sixties a man named Fritz Perls who was a gestalt therapist. Gestalt therapy derives from art history, it proposes you must understand the ‘whole’ before you can understand the details. What you have to look at is the entire culture, the entire family and community and so on. Perls proposed that in all relationships people could be either toxic or nourishing towards one another. It is not necessarily true that the same person will be toxic or nourishing in every relationship, but the combination of any two people in a relationship produces toxic or nourishing consequences. And the important thing that I can tell you is that there is a test to determine whether someone is toxic or nourishing in your relationship with them. Here is the test: You have spent some time with this person, either you have a drink or go for dinner or you go to a ball game. It doesn’t matter very much but at the end of that time you observe whether you are more energised or less energised. Whether you are tired or whether you are exhilarated. If you are more tired then you have been poisoned. If you have more energy you have been nourished. The test is almost infallible and I suggest that you use it for the rest of your life.
    Early in my career I wanted to be professional, that was my complete aspiration in my early life because professionals seemed to know everything – not to mention they got paid for it. Later I discovered after working for a while that professionalism itself was a limitation. After all, what professionalism means in most cases is diminishing risks. So if you want to get your car fixed you go to a mechanic who knows how to deal with transmission problems in the same way each time. I suppose if you needed brain surgery you wouldn’t want the doctor to fool around and invent a new way of connecting your nerve endings. Please do it in the way that has worked in the past.
    Unfortunately in our field, in the so-called creative – I hate that word because it is misused so often. I also hate the fact that it is used as a noun. Can you imagine calling someone a creative? Anyhow, when you are doing something in a recurring way to diminish risk or doing it in the same way as you have done it before, it is clear why professionalism is not enough. After all, what is required in our field, more than anything else, is the continuous transgression. Professionalism does not allow for that because transgression has to encompass the possibility of failure and if you are professional your instinct is not to fail, it is to repeat success. So professionalism as a lifetime aspiration is a limited goal.
    Being a child of modernism I have heard this mantra all my life. Less is more. One morning upon awakening I realised that it was total nonsense, it is an absurd proposition and also fairly meaningless. But it sounds great because it contains within it a paradox that is resistant to understanding. But it simply does not obtain when you think about the visual of the history of the world. If you look at a Persian rug, you cannot say that less is more because you realise that every part of that rug, every change of colour, every shift in form is absolutely essential for its aesthetic success. You cannot prove to me that a solid blue rug is in any way superior. That also goes for the work of Gaudi, Persian miniatures, art nouveau and everything else. However, I have an alternative to the proposition that I believe is more appropriate. ‘Just enough is more.’
    I think this idea first occurred to me when I was looking at a marvellous etching of a bull by Picasso. It was an illustration for a story by Balzac called The Hidden Masterpiece. I am sure that you all know it. It is a bull that is expressed in 12 different styles going from very naturalistic version of a bull to an absolutely reductive single line abstraction and everything else along the way. What is clear just from looking at this single print is that style is irrelevant. In every one of these cases, from extreme abstraction to acute naturalism they are extraordinary regardless of the style. It’s absurd to be loyal to a style. It does not deserve your loyalty. I must say that for old design professionals it is a problem because the field is driven by economic consideration more than anything else. Style change is usually linked to economic factors, as all of you know who have read Marx. Also fatigue occurs when people see too much of the same thing too often. So every ten years or so there is a stylistic shift and things are made to look different. Typefaces go in and out of style and the visual system shifts a little bit. If you are around for a long time as a designer, you have an essential problem of what to do. I mean, after all, you have developed a vocabulary, a form that is your own. It is one of the ways that you distinguish yourself from your peers, and establish your identity in the field. How you maintain your own belief system and preferences becomes a real balancing act. The question of whether you pursue change or whether you maintain your own distinct form becomes difficult. We have all seen the work of illustrious practitioners that suddenly look old-fashioned or, more precisely, belonging to another moment in time. And there are sad stories such as the one about Cassandre, arguably the greatest graphic designer of the twentieth century, who couldn’t make a living at the end of his life and committed suicide.
    But the point is that anybody who is in this for the long haul has to decide how to respond to change in the zeitgeist. What is it that people now expect that they formerly didn’t want? And how to respond to that desire in a way that doesn’t change your sense of integrity and purpose.
    The brain is the most responsive organ of the body. Actually it is the organ that is most susceptible to change and regeneration of all the organs in the body. I have a friend named Gerald Edelman who was a great scholar of brain studies and he says that the analogy of the brain to a computer is pathetic. The brain is actually more like an overgrown garden that is constantly growing and throwing off seeds, regenerating and so on. And he believes that the brain is susceptible, in a way that we are not fully conscious of, to almost every experience of our life and every encounter we have. I was fascinated by a story in a newspaper a few years ago about the search for perfect pitch. A group of scientists decided that they were going to find out why certain people have perfect pitch. You know certain people hear a note precisely and are able to replicate it at exactly the right pitch. Some people have relevant pitch; perfect pitch is rare even among musicians. The scientists discovered – I don’t know how – that among people with perfect pitch the brain was different. Certain lobes of the brain had undergone some change or deformation that was always present with those who had perfect pitch. This was interesting enough in itself. But then they discovered something even more fascinating. If you took a bunch of kids and taught them to play the violin at the age of 4 or 5 after a couple of years some of them developed perfect pitch, and in all of those cases their brain structure had changed. Well what could that mean for the rest of us? We tend to believe that the mind affects the body and the body affects the mind, although we do not generally believe that everything we do affects the brain. I am convinced that if someone was to yell at me from across the street my brain could be affected and my life might changed. That is why your mother always said, ‘Don’t hang out with those bad kids.’ Mama was right. Thought changes our life and our behaviour. I also believe that drawing works in the same way. I am a great advocate of drawing, not in order to become an illustrator, but because I believe drawing changes the brain in the same way as the search to create the right note changes the brain of a violinist. Drawing also makes you attentive. It makes you pay attention to what you are looking at, which is not so easy.
    Everyone always talks about confidence in believing what you do. I remember once going to a class in yoga where the teacher said that, spirituality speaking, if you believed that you had achieved enlightenment you have merely arrived at your limitation. I think that is also true in a practical sense. Deeply held beliefs of any kind prevent you from being open to experience, which is why I find all firmly held ideological positions questionable. It makes me nervous when someone believes too deeply or too much. I think that being sceptical and questioning all deeply held beliefs is essential. Of course we must know the difference between scepticism and cynicism because cynicism is as much a restriction of one’s openness to the world as passionate belief is. They are sort of twins. And then in a very real way, solving any problem is more important than being right. There is a significant sense of self-righteousness in both the art and design world. Perhaps it begins at school. Art school often begins with the Ayn Rand model of the single personality resisting the ideas of the surrounding culture. The theory of the avant garde is that as an individual you can transform the world, which is true up to a point. One of the signs of a damaged ego is absolute certainty.
    Schools encourage the idea of not compromising and defending your work at all costs. Well, the issue at work is usually all about the nature of compromise. You just have to know what to compromise. Blind pursuit of your own ends which excludes the possibility that others may be right does not allow for the fact that in design we are always dealing with a triad – the client, the audience and you.
    Ideally, making everyone win through acts of accommodation is desirable. But self-righteousness is often the enemy. Self-righteousness and narcissism generally come out of some sort of childhood trauma, which we do not have to go into. It is a consistently difficult thing in human affairs. Some years ago I read a most remarkable thing about love, that also applies to the nature of co-existing with others. It was a quotation from Iris Murdoch in her obituary. It read ‘ Love is the extremely difficult realisation that something other than oneself is real.’ Isn’t that fantastic! The best insight on the subject of love that one can imagine.
  9. ON AGING.
    Last year someone gave me a charming book by Roger Rosenblatt called ‘Ageing Gracefully’ I got it on my birthday. I did not appreciate the title at the time but it contains a series of rules for ageing gracefully. The first rule is the best. Rule number one is that ‘it doesn’t matter.’ ‘It doesn’t matter that what you think. Follow this rule and it will add decades to your life. It does not matter if you are late or early, if you are here or there, if you said it or didn’t say it, if you are clever or if you were stupid. If you were having a bad hair day or a no hair day or if your boss looks at you cockeyed or your boyfriend or girlfriend looks at you cockeyed, if you are cockeyed. If you don’t get that promotion or prize or house or if you do – it doesn’t matter.’ Wisdom at last. Then I heard a marvellous joke that seemed related to rule number 10. A butcher was opening his market one morning and as he did a rabbit popped his head through the door. The butcher was surprised when the rabbit inquired ‘Got any cabbage?’ The butcher said ‘This is a meat market – we sell meat, not vegetables.’ The rabbit hopped off. The next day the butcher is opening the shop and sure enough the rabbit pops his head round and says ‘You got any cabbage?’ The butcher now irritated says ‘Listen you little rodent I told you yesterday we sell meat, we do not sell vegetables and the next time you come here I am going to grab you by the throat and nail those floppy ears to the floor.’ The rabbit disappeared hastily and nothing happened for a week. Then one morning the rabbit popped his head around the corner and said ‘Got any nails?’ The butcher said ‘No.’ The rabbit said ‘Ok. Got any cabbage?’
    The rabbit joke is relevant because it occurred to me that looking for a cabbage in a butcher’s shop might be like looking for ethics in the design field. It may not be the most obvious place to find either. It’s interesting to observe that in the new AIGA’s code of ethics there is a significant amount of useful information about appropriate behaviour towards clients and other designers, but not a word about a designer’s relationship to the public. We expect a butcher to sell us eatable meat and that he doesn’t misrepresent his wares. I remember reading that during the Stalin years in Russia that everything labelled veal was actually chicken. I can’t imagine what everything labelled chicken was. We can accept certain kinds of misrepresentation, such as fudging about the amount of fat in his hamburger but once a butcher knowingly sells us spoiled meat we go elsewhere. As a designer, do we have less responsibility to our public than a butcher? Everyone interested in licensing our field might note that the reason licensing has been invented is to protect the public not designers or clients. ‘Do no harm’ is an admonition to doctors concerning their relationship to their patients, not to their fellow practitioners or the drug companies. If we were licensed, telling the truth might become more central to what we do.

Ten Things I Have Learned
Part of AIGA Talk in London
November 22, 2001

“I consigli di Milton Glaser” (italian)

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Copia, plagio e intenzionalità

Recentemente ho ripreso ad interessarmi della questione del plagio,facendo interessare qualcuno alla questione di IKEA che, tra l’altro, avevo già affrontato anche su queste pagine tempo fa. L’iter è stato piuttosto interessante: dal gruppo “I hate to love IKEA” (del quale sono fondatore) ho inviato il link alla pagina del mio progetto E-kit 2.0 (IKEA fakes) nella quale mostro 12 oggetti di arredo più o meno palesemente ispirati a oggetti di Design – cosiddetto – “alto”. Da questo input iniziale è conseguita una pubblicazione su Leganerd e un aumento di visite esponenziale alla pagina suddetta (dalle neanche 10 quotidiane a quasi 500 in poche ore).

L’argomento è sempre di notevole interesse e attualità, visto che non riguarda per forza il design ma, piuttosto, qualsiasi campo della creatività e della produzione culturale. Siamo in piena fase di cambiamento: concetti come Open Source e Copyleft sono finalmente entrati nel linguaggio comune e, di conseguenza, stanno modificando la mentalità delle persone, seppur lentamente. Moltissimo è già stato scritto sulla violazione dei diritti d’autore, sul copyright e sulle nuove forme mentali e legali da queste sviluppatesi, per cui occuperò questo post prevalentemente con citazioni che ritengo di particolare interesse.

Copia. “Copia illegale”, “Copia non autorizzata”, “Copia d’autore”. Ma da dove nasce l’odio per le copie? E, soprattutto, chi viene particolarmente infastidito dalla produzione/diffusione non autorizzata? Soprattutto le aziende ovviamente. Ma anche artisti in vari ambiti come pittori, fotografi, illustratori, designer, stilisti e altri ancora. Ma concentriamoci sugli sviluppi tecnologici che sono più alla portata di tutti:

  1. La pirateria informatica in Italia costa ogni anno al settore qualcosa come 1,2 miliardi di euro mentre su scala planetaria addirittura 51 miliardi di dollari, pari ad una grande manovra finanziaria. Lo studio condotto da IDC ha rilevato in 110 paesi una crescente quota di software pirata, ovvero copiato o distribuito illegalmente soprattutto nei PC, con un valore cresciuto in un solo anno del 2% arrivando a quota 49%, praticamente 1 programma su 2 è utilizzato illegalmente. Le percentuali sono simili anche a livello mondiale, dove si stima che il software pirata rappresenti il 43% (+2% rispetto allo scorso anno), soprattutto nelle economie emergenti come Cina e India e comunque in linea con i paesi Occidentali. (17.05.10 – fonte)
  2. […] Chi sono i Paesi pirati? In Europa la media è molto bassa, intorno al 34% (meno di noi solo il Nord America, con un tasso di pirateria del 21%). Gli italiani sono nel gruppo capofila dell’illegalità, insieme a islandesi (49%), ciprioti (48%) e maltesi (45%). I più smanettoni restano i greci, con tassi intorno al 58%. Neanche a dirlo, per vedere esempi di virtù basta passare oltreconfine: Svizzera (25%), Lussemburgo (21%) e, più in su, Svezia e Austria (25%).
    Fatti due calcoli, secondo Bsa il valore commerciale del software illegale nel 2009 ha raggiunto i 51,4 miliardi di dollari. In pratica ad ogni 100 euro investiti in software legale ne corrispondono altri 75 in software illegale. E ovviamente, a risentirne non è solo il settore IT, ma anche la distribuzione, l’assistenza e i servizi. […] (12.05.10 – Wired)
  3. Uso di software privi di licenza da parte di professionisti. Continua a leggere

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Una donna saggia un giorno mi disse che la vera emancipazione delle donne l’hanno resa possibile gli elettrodomestici. La lavatrice, prima fra tutte; che ha liberato la generazione delle nostre nonne dalla schiavitù del giorno del bucato. “Il sabato si lavavano i panni” significava che tutto il sabato era dedicato a recarsi alla lavanderia comune, quando non al fiume, e immergere le braccia fino ai gomiti nell’acqua fredda e strofinare i vestiti con il sapone per ore. donna_lavaOre e giornate e mesi che sono stati re-investiti in ore di lavoro (remunerato) fuori di casa, re-investite a loro volta in indipendenza, in divertimento, in tempo libero. Grazie alla lavatrice. E alla lavastoviglie, al ferro da stiro elettrico e leggero, all’aspirapolvere, al forno, al frigorifero, al microonde, al “minipimer” e via discorrendo.

Quindi, innegabilmente, gli ingegneri/creativi/inventori per decenni hanno salvato il tempo delle donne ed hanno aiutato a concepire il tempo libero. Insieme a tutte quelle invenzioni che ci hanno facilitato la vita a partire dall’inizio del secolo scorso, approssimativamente.

Ma ad un certo punto, gli stessi oggetti-eroi che ci liberarono dall’assenza di tempo ci trasformarono in schiavi del tempo libero.

Passo indietro: il design aiuta a migliorare la qualità della vita. È una delle massime pretese e delle migliori scuse di chi lo fa di mestiere. Sotto vari aspetti è una verità: il design crea (o quantomeno dovrebbe creare) oggetti più ergonomici, più facili da usare, più piacevoli alla vista, più agevoli da smontare lavare e pulire, più confortevoli, più gradevoli, più sicuri, più leggeri, più meccanici, più elettronici, più robotizzati, più tecnologici, più veloci, più automatici. Tutti “più” che in effetti aiutano a migliorare la qualità della vita. E che ci lasciano più tempo libero, consentendoci di non fare fatica. Del resto non potrebbe essere altrimenti in questa “epoca del bottone”. Tutto quello che deve fare chi utilizza una qualsiasi delle macchine-oggetto in suo possesso è quasi sempre, soltanto, “premere il bottone”: dell’ascensore, per fare 4 piani in 1 minuto. Del cellulare per chiamare i genitori e scrivere un messaggio agli amici. Della macchinetta in ufficio per avere un caffè senza scendere al bar. Di accensione del pc, della lavastoviglie, della luce, del frullino elettrico, del rasoio elettrico, della chiave dell’auto, del telecomando, dello stereo, del riscaldamento, e via andando. Guadagnare tempo in più e fare fatica in meno, o anche: più tempo libero e meno energie sprecate. Sì, ma a che pro? Tempo libero per andare in palestra a fare fatica, ad esempio. Usiamo l’automobile al posto della bicicletta, ma siamo schiavi della cyclette. Preferiamo l’ascensore perché ci stanca fare le scale, ma adoriamo lo step. Potremmo fare due passi un po’ più spesso invece che camminare mezz’ora su un tapis-roulant e se scendessimo a prendere un caffè al bar oltre a fare un po’ di movimento, magari incontreremmo persino qualcuno. E se passassimo a trovare genitori e amici invece che chiamarli al cellulare e far loro gli auguri di compleanno via SMS, forse avremmo meno tempo per guardare le finte relazioni in tv la sera, ma avremmo vissuto quelle vere durante giorno. E se invece che metterci pochi secondi e zero sforzo per sbattere le uova con frullino elettrico, lo facessimo con uno frustino manuale, forse consumeremmo abbastanza calorie da poterci permettere di mangiare una fetta della torta che stiamo preparando, nonostante la dieta.

Ora, io non sono certo qui a rimpiangere le giornate di lavanderia di mia nonna, e sono ben contenta che qualcuno abbia inventato la lavastoviglie e l’automobile, ma credo che questa nostra schiavitù dall’urgenza di far presto vada affrancata. Perché abbiamo così fretta di far prima e senza fatica? La necessità di metterci 10 minuti in meno per prendere un caffè, salire tre piani, o fare pochi chilometri è davvero una necessità? Perché abbiamo così premura di far presto senza gustarci i gesti, se poi l’unica meta a cui aneliamo è fare poco o niente?

Personalmente non la trovo una grande abilità nel godersi la vita, questa. E credo che il design, se davvero vuole migliorare la qualità della nostra esistenza, dovrebbe deviare questa corrente. Forse si dovrebbe smettere di dare importanza soltanto a macchine che funzionano con gesti sciolti, automatici, non impegnativi e immediati; perché in fondo tutta questa comodità finisce per anestetizzarci, atrofizza muscoli e inventiva, assopisce ogni spirito di iniziativa, e fa dimenticare il valore dell’esperienza fisica, della sana fatica che rende giustizia al raggiungimento di uno scopo.

Si dovrebbe ricominciare, io credo, a sottolineare la rilevanza di godere davvero della situazione dell’agire, ridare importanza ad un’azione quando la si confeziona, assaporare la soddisfazione del compiuto, la gratificazione dell’aver fatto.


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Posto che il wabi-sabi non si riduce facilmente a formule o frasi fatte che riescano a non distruggerne l’essenza, e che la chiarezza o la trasparenza ideologica non sono aspetti essenziali dello steso, spiegare completamente questo concetto potrebbe, di fatto, sminuirlo.
Con questo post era mia intenzione cercare di rendere visibile, anche se non palpabile, questa estetica giapponese tradizionale e antica così distante dal nostro concetto contemporaneo di bellezza.
L’unica cosa da tener presente prima di iniziare a leggere è che “nel regno dell’estetica, la ragione è quasi sempre subordinata alla percezione”. Buon viaggio.

Wabi-Sabi è la bellezza delle cose imperfette, mutevoli e incomplete.

È la bellezza delle cose modeste e umili.

È la bellezza delle cose non convenzionali.

Il wabi-sabi è la traccia più notevole e caratteristica di ciò che noi consideriamo la bellezza tradizionale giapponese. A grandi linee occupa la stessa posizione nel panteon giapponese dei valori estetici, che gli ideali greci di bellezza in occidente.
In origine le parole giapponesi “wabi” e “sabi” avevano significati abbastanza differenti dagli attuali. Inizialmente “sabi” significava “freddo, scarno o avvizzito”, mentre “wabi” significava la sfortuna di vivere solo nella natura, isolato dalla società, e suggeriva uno stato d’animo depresso, abbattuto e melancolico. A partire dal XIV secolo le parole iniziano ad assumere significati estetici più positivi.

L’estetica giapponese del wabi-sabi si associa da molto tempo alla cerimonia del tè, antica estetica squisita dell’alta cultura giapponese.

Chiamata sado, chado e chanoyu, la cerimonia del tè evolse fino a convertirsi in un’eclettica forma sociale di arte che combinava -tra le alte cose- conoscenze di architettura, architettura di interni e di giardini, arte della disposizione floreale, pittura, preparazione degli alimenti e interpretazione.

<In questo rito il “prodotto” offerto è solo il mezzo attraverso cui si estrinseca l’atto dell’ospitalità e lo scambio di cortesia. Si tratta innanzitutto di creare una scena, un ambiente, un’esperienza in cui poter assaporare il piacere dello stare insieme agli ospiti, del porgere un omaggio. L’architettura, l’oggettistica, i gesti, le parole, gli ornamenti della casa e degli attori del rito, tutti contribuiscono in misura importante a creare e scambiare sensazioni, messaggi di cortesia, rispetto, considerazione. La comunicazione di questi messaggi e il gusto per la cosa offerta si apprende attraverso il rito>.

Nel suo zenit artistico, l’obiettivo fondamentale della cerimonia del tè era comprendere l’universo wabi-sabi nella sua totalità.capanna_wabi-sabiPraticamente fin dai suoi esordi come tipologia di estetica concreta, il wabi-sabi è stato associato genericamente con il Buddismo Zen. In molti aspetti il wabi-sabi si potrebbe persino denominare come “lo Zen delle cose”, posto che illustra molti dei principi filosofici-spirituali essenziali dello Zen. L’ispirazione iniziale dei principi metafisici, spirituali e morali del wabi-sabi proviene dalle idee sulla semplicità, la naturalezza e l’accettazione della realtà che si trovano nel Taoismo e nel buddismo Zen cinese.

Piccole considerazioni sulla metafisica, sui valori spirituali e sulle qualità materiali del wabi-sabi.
Le cose evolvono da o verso il nulla.

Il nulla di per sé – invece che essere uno spazio vuoto, come in occidente- vibra di possibilità. In termini metafisici, il wabi-sabi suggerisce che l’universo è in costante movimento da o verso  il potenziale. Al contrario che nella società occidentale, da sempre affetta da una grave forma di horror vacui, in Giappone “l’assenza” non è per forza sinonimo di mancanza. Per esempio un muro bianco non è una parete spoglia che aspetta di essere adornata da un bel quadro: è lo spazio meditativo della vista, che perdendosi nel vuoto lascia la mente libera di muoversi e pensare.

La “grandezza” esiste nei dettagli sconosciuti e impercettibili.

Il wabi-sabi rappresenta esattamente l’opposto agli ideali occidentali di grande bellezza come qualcosa di monumentale, spettacolare e duraturo.

Può trovarsi bellezza nella bruttezza.

La bellezza del wabi-sabi è, in un certo senso, il fatto di saper accettare ciò che si considera brutto. Suggerisce che la bellezza sia un evento dinamico che si produce tra se stessi e qualcos’altro. La bellezza può apparire spontaneamente in qualsiasi momento in cui ci siano le circostanze, il contesto o il punto di vista appropriato. La bellezza è quindi uno stato di alterazione della coscienza, un momento straordinario di poesia e grazia.sedieAccettare l’inevitabile.
Il wabi-sabi è l’apprezzamento estetico dell’inevitabile evanescenza della vita. Le immagini wabi-sabi ci obbligano a contemplare la nostra stessa mortalità, evocano una solitudine esistenziale e una delicata tristezza. Provocano anche un conforto agrodolce, giacché sappiamo che tutta l’esistenza condivide lo stesso destino.

Il modo in cui la carta di riso trasmette la luce con un brillio diffuso. La forma in cui l’argilla si crepa seccandosi. La metamorfosi del colore e della texture del metallo quando si annerisce e si ossida. Tutto ciò è rappresentativo delle forze fisiche e delle profonde strutture che sono la base del nostro mondo di tutti i giorni.CrackedEarth0002_thumblarge
Suggerire il processo naturale.

Gli oggetti wabi-sabi sono espressione di tempo congelato. Sono fatti di materiali visibilmente vulnerabili agli effetti del tempo e della manipolazione umana. Sono soggetti a sole, vento, pioggia, calore, freddo e ad un linguaggio di scolorimento, ossidazione, decolorazione, annerimento, torsione, contrazione, deformazione e altre forme di logorio testimoni del suo uso e abuso.

Le cose wabi-sabi sono generalmente piccole, compatte, discrete e orientate verso “dentro”. Suggeriscono: avvicinati, tocca, relazionati. Inspirano una riduzione della distanza fisica tra una cosa e l’altra, tra le cose e le gente. Le cose wabi-sabi si apprezzano solo attraverso l’uso e il contatto diretto: non si rinchiudono mai in un museo. Non necessitano una conferma del proprio status o convalidazione da parte della cultura del mercato. Non necessitano documentazione di provenienza.

La semplicità è il fondamento del wabi-sabi: è ridurre fino all’essenza senza però togliere la poesia. Mantenere le cose pulite e spoglie ma senza renderle sterili. Significa anche limitare al minimo le peculiarità evocative. Però non significa eliminare il velo invisibile che in qualche modo unisce gli elementi in un tutto accorto. E non significa neppure, in nessuna maniera, sminuire “l’interesse” di qualcosa, la qualità che ci obbliga a guardare questo “qualcosa” una volta e un’altra ancora.

“Di fatto il wabi-sabi – profondo, multidimensionale, schivo – a mio giudizio rappresenta l’antidoto perfetto a quel genere di bellezza tanto pulita, saccarina e collettiva che a mio modo di vedere sta da anni desensibilizzando la società” occidentale. È una maniera scorrevole e naturale di accompagnare la bellezza delle cose nel tempo, esattamente l’opposto della nostra abitudine mentale ad associare il bello al nuovo, pulito, patinato. Per “noi” il concetto di valore è intrinsecamente associato a quello della perfezione senza macchie, senza graffi, senza difetti; ad esempio un’automobile nuova deve avere km zero, e comprarla e rivenderla, anche senza averla mai usata, la svaluta incredibilmente. L’uso di un oggetto raramente ne valorizza la qualità, il vissuto diventa un valore positivo solo in un ristretto ambito emotivo.

Chissà, forse dovremmo anche noi cominciare a pensare che sarebbe più naturale accettare il normale ingiallimento della plastica, piuttosto che addittivarla con agenti anti-invecchiamento; che le tracce del tempo sono un valore aggiunto, il valore che la vita lascia sulle cose; che il consumo degli oggetti potrebbe essere assecondato ed esaltato, invece che combattuto artificialmente.


Riferimenti: Leonard Koren, Wabi-Sabi for ArtistsDesigners, Poets and Philosophers (Stone Bridge Press, 1994. ISBN 1-880656-12-4)

Setsu e Shinobu Ito, “Lo Zen e l’arte di comunicare il piacere” Impackt-contenitori e contenuti, 01/2004

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Il valore dei soldi

Perché i presunti oggetti di design costano così tanto?

È una domanda frequente, e in fondo appropriata, a mio avviso.

Una cosiddetta sedia di design arriva a costare decine di volte più di una da grande magazzino. Ad esempio: catalogo alla mano, per la Plia di Castelli si possono spendere più di 200€, mentre la stessa tipologia di seduta (ora fuori produzione) venduta all’IKEA non arrivava a 10 € (9,90 €, per la precisione).


Non mi dilungherò a trattare nuovamente l’argomento plagio, già ampiamente esaminato in un precedente post, ma mi chiedo: cosa stiamo pagando, quando spendiamo così tanti soldi per un oggetto prestigioso? Le sedie famose sono forse più comode di quelle economiche? Non è detto, non sempre, spesso no.

A volte, però, la mancanza di equilibrio nel rapporto qualità/prezzo viene in parte bilanciata dall’uso di materiali pregiati e tecnologie di fabbricazione all’avanguardia. A volte. Certamente comprando un oggetto di design paghiamo la cultura progettuale di chi l’ha creato. Questo sempre, ci si augura. Ma ciononostante l’abisso non si spiega, le ragioni elencate non colmano la distanza.


Perché, inutile dirlo, quello che noi paghiamo è la fama, il pregio, la notorietà, tanto quella del designer quanto quella dell’oggetto. Una notorietà che ha molti altri nomi, possiamo chiamarlo status symbol, appartenenza ad una classe sociale, senso di identità, volontà di mostrare denaro quindi prestigio, insomma le solite cose. Le stesse identiche caratteristiche che si potrebbero elencare per le macchine di lusso, i vestiti alla moda, gli occhiali griffati o la televisione al plasma. Viviamo nell’era del consumismo e siamo schiavi della materialità che ci circonda. Fin qui niente di nuovo.

Tanto che questa mia riflessione non voleva essere una sterile critica rivolta alla moltitudine di oggetti deluxe che ci circondano, ma piuttosto un invito, indirizzato specialmente ai futuri progettisti, a considerare il prezzo delle cose.

Come ci fece notare un giorno a lezione un nostro professore, l’ing. Gianluca Medri, “noi paghiamo gli oggetti con la vita”.

Mi spiego. Si suppone che, eccezion fatta per qualche (non troppo raro) caso, il lavoro sia la forma con cui si guadagna il denaro necessario al proprio sostentamento. Di fatto lo stipendio non è altro che il compenso per il tempo impiegato, da cui: le ore di vita che investiamo nel lavoro sono il vero prezzo di ciò che compriamo. Un esempio intuitivo: se una sedia vale 10 € ci costa quanto…? diciamo un’ora di lavoro; se ne vale 200, per pagarla impieghiamo 20 ore della nostra vita.

Se un progettista propone un oggetto che costa più di ciò che vale sta rubando soldi, quindi tempo lavorativo impiegato per ottenerli, quindi ore di vita alla gente. E “un designer non dovrebbe rubare vita alla gente”, io credo. Perciò è sempre doverosa un’opportuna attenzione agli stadi metodologici della progettazione, non solo perché l’equilibrato pensiero sui materiali, i componenti, i pezzi costituenti e quindi i costi di produzione, di mantenimento, di montaggio, sono le parole chiave di una strategia impresariale che ha come principale (ed ovvio) obiettivo il profitto; né perché gli stessi concetti di sobrietà proficua siano soltanto la chiave di lettura eco-sostenibile della produzione; ma anche e soprattutto perché progettare un oggetto con il miglior rapporto qualità prezzo significa salvare il consumatore dallo sperpero di soldi, quindi tempo, quindi vita.

Perciò progettisti: dato per scontato che il costo finale del vostro progetto in larga parte non dipenderà da voi, tenete presente che avete comunque un grosso margine di lavoro, e quindi una grossa responsabilità. Come già detto, è fondamentale che un progetto sia essenziale, non perché il minimal vada sempre e comunque di moda, non sto parlando di estetica formale, parlo di sostanza progettuale: di facilità di costruzione, di velocità di montaggio, di parsimonia delle parti costituenti, di riflessione sui materiali, di sfridi ridotti al minimo… in altri termini: la responsabilità materiale della produzione e quella morale dell’economia.

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Il caso Freitag

(CC) Relaxdesign - 2009 Licenza Creative Commons 2.0.

Non c’è molto da dire sull’azienda Freitag per chi già la conosce. Per chi non la conosce ecco un breve riepilogo:

Con sede a Zurigo, Freitag produce e vende in tutto il mondo borse ricavate dai teloni usati di autocarri, dalle cinture di sicurezza usate delle automobili e dalle camere d’aria usate delle biciclette, fin dal 1993.

I teloni vengono tagliati in fase di lavorazione, in modo che le stampe o il logo dell’azienda non siano più riconoscibili. Freitag assicura: i teloni non vengono utilizzati per altri scopi o rivenduti a terzi. Freitag usa sostanzialemente solo teloni usati di autocarri destinati all’allestimento di veicoli industriali, con un tessuto di fondo estremamente robusto e un rivestimento in PVC di almeno 600 g/m2). (freitag.ch)

In breve, Freitag è uno di quei casi che esemplificano come sia possibile per un accessorio o un capo d’abbigliamento superare le barriere del tempo e, quindi, della moda passeggera: il marchio Freitag è diventato un must, un simbolo “buono” perchè unisce la mentalità del riciclaggio creativo (ecosostenibilità) con quella della moda personalizzata (radical chic) e dell’oggetto unico (emotive design). Ecco perchè tutte le borse (e gli accessori) sono così maledettamente care.

Ecologia. Tuttavia la politica ecologistica iniziale non è mai scomparsa e, tuttora, i concetti di recupero e di riciclaggio sono fondamentali per Daniel e Markus Freitag, i due fratelli fondatori del marchio svizzero. Ancora oggi i prodotti Freitag vengono creati, tagliati a mano e confezionati a Zurigo nella stessa fabbrica di fianco alla statale; solo la fabbrica si è ingrandita un poco. Tutti i prodotti sono ancora unici, fabbricati con originali teloni di camion usati, camere d’aria di bicicletta, cinture di sicurezza di automobili e, new entry, airbag usati.

Filosofia e marketing. Per diventare un must è necessario saper infondere ai propri seguaci/consumatori anche un certo fascino ammaliatore. É la stessa strategia applicata a Cupertino da Apple, no? Del tipo “Non ti vendiamo un semplice oggetto, bensì una nuova mentalità, un nuovo modo di vivere”. Una filosofia, insomma, in cui potersi ritrovare comodamente, riconoscersi o semplicemente condividere. Il reparto marketing di Freitag ha saputo muoversi molto bene anche in questo campo, promuovendo eventi e collaborazioni in tutto il mondo e invogliando i potenziali clienti con semplici operazioni psicologiche, ovvero il “fai-da-te”: F-Cut. Il cliente può decidere di acquistare la propria borsa in due modi: Continua a leggere

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Design chairs free wallpapers


Per tutti gli appassionati (come noi) di sedie d’autore é impossibile non apprezzare questi 20 bellissimi wallpaper (o sfondi per desktop che dir si voglia) disponbili come download gratuito, in formato .zip, presso il sito sub88, sezione “download”. Sub88 é l’alias di David Vineïs, un digital artist e designer francese; ha lavorato come art director per numerose etichette musicali ed é attivo dal 2000. Se volete vedere qualcos’altro di suo date un’occhiata al suo portfolio!

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Non ricordo bene come ho trovato quest’immagine, ma ricordo di aver pensato: “Geniale”.

P.S.: Ce ne sono altri molto belli, tutti acquistabili presso Blue Art Studio a 50 dollari. (20.08.09)

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Design upgrading

“Perseguire la novitá é combattere contro i mulini a vento: l’obiettivo non deve essere il nuovo, ma il buono”

(Mies Van Der Rohe)

Probabilmente é questa visione delle cose che spinge alcuni progettisti creativi ad affrontare, almeno per una parte della propria carriera, il tema dell’upgrading: il miglioramento di ció che c’era prima. Cosí come l’avanzamento tecnologico corrisponde a un’ottimizzazione delle risorse e dei costi (tempo e denaro) unito a un miglioramento del valore aggiunto intrinseco all’oggetto o del servizio, anche il design ha le sue ampie possibilitá di applicazione nel campo.

Di esempi validi ce ne sono molti, tuttavia preferisco concentrarmi su due casi, a mio parere, emblematici: l’upgrade dell’oggetto comune e l’upgrade dell’icona del design.

Sedia Front in plastica e cuoio. La sedia di plastica bianca è la seduta più diffusa al mondo, non c’è dubbio. Non è firmata da alcun designer noto e costa solo 2 euro. Lo studio svedese Front Design ha aggiunto l’imbottitura rivestita in pelle dando vita a un’originale ed esclusiva poltroncina, peraltro piuttosto elegante. L’operazione è stata piuttosto semplice (“aggiungere una fodera”) e non certo originale (basti pensare ai cuscini “della nonna” per ammorbidire l’effetto della seduta prolungata…), tuttavia si tratta di un’operazione molto decisa e innovativa.

Decisa per via della scelta della pelle, un materiale costoso e “nobile” (sebbene gli animalisti abbiano qualcosa da obiettare): anzichè realizzare una semplice imbottitura in gommapiuma e cotone colorato le ragazze svedesi hanno puntato sul glam, sull’eleganza e la provocazione…

Innovativa perchè – sebbene se ne siano viste molte altre di imbottiture improvvisate – nessuno aveva mai pensato prima di “omaggiare” la sedia comune in questo modo. Esposta al Salone Satellite e promossa anche attraverso il circolo Designer’s Block, la sedia Front è commercializzata dall’azienda belga Vlaemsch al prezzo molto meno popolare di 245 euro.

Salif Aid. Risale al 2000 la ricerca formale fatta di modifiche e upgrade ad alcune icone del design presentata dallo studio tedesco Adam & Harborth, che – tra l’altro – sono stati anche miei docenti durante il mio Erasmus all’UdK di Berlino. Nel caso del celeberrimo spremiagrumi di Philippe StarckJuicy Salif appunto – l’esempio è lampante ed è da interpretare come un’ironica denuncia: perchè accontentarsi di un oggetto inutile che è stato trasformato in un’icona del design? Tutti sanno che lo spremiagrumi di Starck è inservibile: il succo scivola in parte nel bicchiere e in parte viene perduto sul ripiano…e, quindi, che senso ha considerarlo un oggetto di culto del design se non riesce ad assolvere alla sua prima funzione, ovvero servire a qualcosa? L’operazione del duo tedesco è stata esattamente questa, ovvero agire, modificare, aggiungere qualcosa che potesse riconferirgli la sua funzione, che lo facesse “riatterrare” sul pianeta terra, strappandolo dall’olimpo delle opere d’arte fini a sè stesse…dai semplici suppellettili insomma. A parer mio l’operazione è piuttosto semplice anche in questo caso, sebbene comporti uno studio formale e tecnologico non indifferente: un conto è creare un oggetto dal nulla e un altro è studiare d’accapo un oggetto esistente e migliorarlo senza rovinarne le caratteristiche. Inoltre mi sembra evidente anche un certo ruolo politico (la denuncia) che, almeno per il caso del noto designer francese, risponde ad armi pari al suo atteggiamento sempre provocatore e anticonformista. Continua a leggere

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I progressi del Design anonimo

É possibile parlare ancora di Design anonimo? Ovvero, quella forma degli oggetti divenuti lo standard, cosí popolari da non farci piú porre la domanda “chi l’avrá disegnato?”. Per avere un’idea chiara del fenomeno basta prendere in mano e sfogliare l’ormai famoso libro intitolato “Design anonimo in Italia” scritto da Alberto Bassi, critico del disegno industriale e docente dell’Istituto Universitario di Architettura di Venezia, uscito nel 2007 per Electa. Se ne contano piú di settanta attribuibili al solo territorio italiano (dalla moka al cono gelato, alla sedia di Chiavari passando dal Borsalino alla Tuta e al motorino…ma anche il tram, le scarpe da ginnastica, i doposci, la pentola a pressione, la Bic, la moka, il tratto-pen e i cerini, il fiasco di vino, la tanica da benzina, il lucchetto antifurto o la grattugia per il formaggio parmigiano…) ed ognuno esprime a tutt’oggi un perfetto equilibrio tra funzione e forma, che gli conferisce quell’aspetto di eterna attualitá. Gli oggetti di design anonimo italiano sono stati premiati dal tempo e dall’uso quotidiano.

Si puó dire che, ancora oggi, creare un oggetto che possa diventare “anonimo” (nel senso, appunto, di eterno e usato da chiunque) sia uno dei sogni piú eccitanti dei designer italiani. E probabilmente lo stesso vale per molti altri designer nel mondo. Achille Castiglioni é stato uno dei pochi geniali talenti che ha saputo condurre con onestá la sua carriera di “inventore” creando oggetti mitici sia per il mercato dell’Hoch Design (Alto Design) che per il mercato popolare (quello piú “normale” e meno pretenzioso): é suo il design per l’interruttore piú diffuso in Italia, quello prodotto dalla BTicino…oggetto che lo stesso Castiglioni portava sempre in tasca con sé e proclamato come il progetto al quale era piú legato…proprio perché faceva “clic-clac”!

Il discorso sugli oggetti anonimi al giorno d’oggi é ovviamente cambiato. Seppur inconsapevolmente per molti, la cultura materiale ha assunto dimensioni enormi fino a occupare i primi posti tra le prioritá delle persone: il culto dei brand e dei marchi ne é l’esasperazione piú evidente. Dal dopoguerra ad oggi si é sviluppata, di pari passo ai progressi del marketing e come sua conseguenza diretta, la “voglia di essere sedotti” abbinata a tutte le cose, agli eventi, allle parole…alle stesse persone. Oggigiorno tutti i prodotti hanno un nome e un marchio (la “famiglia”). Persino il cibo deve dichiarare la sua provenienza, che dev’essere tracciabile. Sebbene veniamo investiti da migliaia di colori, messaggi, promozioni ed immagini di prodotti possiamo affermare di conoscerli tutti (o almeno possiamo farlo in potenza); l’iPod é un esempio-chiave:

  • nome: iPod
  • famiglia: Apple MacIntosh
  • designed by: Jonathan Ive

Non é piú possibile, quindi, parlare di un vero design anonimo contemporaneo, secondo me. Tuttavia ritengo che abbia subito parecchie mutazioni fino a diventare un qualcosa di altro.

Chinese stools. La coppia di designer olandesi Wieke Somers e Dylan van den Berg danno una prima interpretazione di nuovo design anonimo: nel 2007 hanno trascorso un mese in Cina, hanno setacciato la cittá in cerca di sgabelli “personalizzati” con soluzioni improvvisate dagli ambulanti e dagli autisti dei risció (dalle persone comuni) per rendere piú confortevole la giornata di lavoro. Una volta selezionati i “prototipi” ne hanno realizzato il calco e gli stampi precisi, dando vita a una “nuova” serie limitata di 12 sedute in alluminio laccato che conservano fedelmente tutti i dettagli e i rattoppi originali. Un modo interessante per ricreare la “comoditá” in piccola serie…oltre che una simpatica pernacchia al Made in China ;)

Considerata ormai la sedia piú famosa e diffusa nel mondo, la Polybloc (o Monobloc per alcuni) fa parte di quella serie di oggetti anonimi di cui non si conosce veramente l’ideatore. Le varianti sul tema sono giá state molteplici, anche se tutte su un campo piú prossimo all’arte che al design industriale (vedi gli esempi di Martino Gamper, Martí Guixé, Maarten Baas e i fratelli Campana…). Uno degli ultimi progetti di Paolo Ulian (che ha esposto recentemente a Milano presso la Fabbrica del Vapore una mostra dal titolo “Paolo Ulian 1990 – 2009”) s’intitola “Poltroncina Matriosca” e riprende proprio la sedia monoblocco rivisitandone l’utilizzo – non singolo ma – in serie: basta un semplice taglio all’altezza dell’ultima sedia impilata ed ecco 10 sedute uguali ma diverse: dalla piú alta alla piú bassa. Da continuare a usare in giardino, ma forse – questa volta – anche in casa, magari proprio in occasione di qualche ricevimento o festa improvvisata.

Significato o significante? Non é semplice capire se, col fatto che la produzione industriale sta puntando (lentamente) alla piccola produzione in serie*, l’attenzione dei designers sostenibili voglia concentrarsi sul nuovo significante (la forma degli oggetti) o puntare sul vecchio significato (la funzione, l’utilitá dell’oggetto comune). Ben inteso che, come “significato” ci si riferisca anche alla volontá/necessitá di pensare, di sorridere, di comunicare o semplicemente di trarre stimoli culturali…fattori che, al tempo della tanica, della pentola a pressione e del tram, non erano ancora divenuti parte integrante degli “oggetti di funzionalitá culturale” ai quali siamo ora abituati. E anche un po’ assuefatti…suvvia.

*produzione on demand sembrerebbe il termine piú adeguato.

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